L’esposizione valorizza l’eccellenza, l’artigianalità e il grande saper fare delle molte aziende italiane coinvolte nel progetto e in particolare la versatilità del velluto, presentata in chiave sperimentale grazie a manipolazioni esplorative, accostamenti innovativi, trattamenti speciali: laser, intarsi di velluto con altri materiali, stampe a illusione ottica, intrecci manuali, plissettature, cambi di direzione delle coste di velluto, abbinamenti di colori inusuali e nuove texture che animano l’installazione.

Accanto ai velluti troviamo anche altri materiali che, attraverso un ampio ventaglio di lavorazioni, ne imitano l’aspetto: rasi, popeline, gabardine, fustagni, denim, tessuti dalla superficie più o meno tridimensionale, più o meno liscia, sono lavorati in maniera tale da dare l’illusione di essere velluti.

“L’idea era trasformarlo profondamente” – dichiara Stefano Chiassai – “Nuove forme, lavorazioni inedite, collocazioni sorprendenti e maggior versatilità”.

Le figure antropomorfe dei Chiassai permettono di conoscere non solo la ricchezza, ma anche le potenzialità di un tessuto pregiato, che nasce da tecniche di produzione straordinarie in un museo che non si limita allo studio del tessuto antico, ma che da sempre rivolge la propria attenzione alla contemporaneità, come dimostra anche la Textile Library del Museo, l’archivio nato nel 2021 e dedicato esclusivamente ai materiali tessili contemporanei e all’innovazione nel settore tessile e moda.

Velvet mi Amor non è soltanto un’occasione unica di entrare nel vivo della sperimentazione e dell’innovazione della moda contemporanea, guidati dall’expertise di due grandi conoscitori della moda italiana, ma anche un modo di approfondire e apprezzare un tessuto che continua a ispirare stilisti e designer di tutto il mondo, e di esplorare un inedito linguaggio della moda contemporanea rivolgendosi alle nuove generazioni.

Una grande mostra che attraverso più di 300 oggetti – molti dei quali inediti – tra disegni, fotografie, bijou, tessuti e abiti, racconta oltre un ventennio di produzione di un pioniere assoluto del Made in Italy: stilista, padre nobile del prêt-à-porter e del total look.

La mostra si snoda in tutti gli spazi del museo – su una superficie di oltre 1.000 metri quadrati – e, parallelamente alla carriera da stilista, approfondisce anche altri aspetti dell’estro creativo di Albini, come la passione per il teatro, per il cinema e per il design di interni.

Nella sala delle collezioni storiche al piano terra saranno ripercorsi gli anni della formazione, dagli esordi come disegnatore per riviste di settore alle collezioni unitarie, passando per le collaborazioni con Baldini, Krizia, Billy Ballo, Cadette, Paola Signorini, Princess Luciana, Glans, Annaspina, Cole of California, Ideacomo, Montedoro, Diamant’s, Misterfox, Sportfox, Basile, Callaghan, Escargot (dal 1959 al 1972).

Al piano superiore, le creazioni a marchio WA presentate a Londra, Venezia e Roma tra il 1973 e il 1974, e capi della seconda linea Misterfox.

Infine, nell’ultima sala espositiva del primo piano, trovano spazio gli anni da 1975 al 1983 con l’Alta Moda, le collezioni realizzate in collaborazione con Trell, Mario Ferrari, Lanerossi e Lane Grawitz.

“La figura di Walter Albini è stata oggetto di una ricerca puntuale e di uno studio interdisciplinare che hanno potuto avvalersi di documenti archivistici inediti, utili a ricondurla nella cultura del suo tempo – sottolinea Daniela Degl’Innocenti, co-curatrice della mostra. La formazione giovanile di Albini, unita a un eccezionale talento naturale, lo vedono protagonista di quella progettualità che, in parallelo allo specializzarsi dell’industria, gli ha permesso di tracciare le linee guida del prêt-à-porter italiano e di costruire, con l’esperienza, l’immagine dello stilista. Oltre ogni mito, il suo percorso professionale segue i tempi della sua ricerca personale.”

“Studiare di nuovo Walter Albini dopo quarant’anni è stata un’opportunità straordinaria, di cui sono grata al Museo del Tessuto – dichiara Enrica Morini, co-curatrice della mostra. È stata l’occasione per capire le complessità di un autentico creatore di moda che ha vissuto l’entusiasmo, le fragilità e le contraddizioni di un sistema che sarebbe diventato il Made in Italy, ma che all’epoca stava nascendo e cercando la propria identità. Le risposte sono venute da un approfondito (e lungo) lavoro di ricerca in cui sono stati coinvolti studiosi di diverse specializzazioni che ringrazio per l’impegno, ma soprattutto per la passione con cui hanno affrontato il lavoro del grande stilista.”

“Walter Albini. Il talento, lo stilista” la cui importanza è attestata dal patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana, si completa con un ricco catalogo edito da Skira, curato da Daniela Degl’Innocenti e Enrica Morini e corredato da contributi che ricostruiscono le sfaccettature della figura di Albini. Accanto ai saggi delle curatrici Daniela Degl’Innocenti, storica del tessuto, conservatrice del Museo del Tessuto e Enrica Morini storica della moda, docente all’Università IULM di Milano, il volume raccoglie gli interventi di Paolo Volontè, sociologo, professore associato al Politecnico di Milano; Antonio Mancinelli, giornalista professionista e docente universitario; Margherita Rosina, storica del tessuto e curatrice; Bianca Cappello, storica del gioiello, docente e curatrice di mostre; Samuele Magri, storico della moda e docente universitario; Lucia Miodini, responsabile Sezione Media e Moda, CSAC, Università degli Studi di Parma; Alberto Zanoletti, giornalista di moda e design, docente di Styling alla Naba Nuova Accademia di Belle Arti di Milano e Roma; Elena Gipponi, ricercatrice in Cinema, Fotografia e Televisione all’Università IULM di Milano; Valentina Garavaglia, storica del teatro e dello spettacolo, professore ordinario presso Università IULM di Milano. Conclude il volume un’appendice documentaria sulle società che hanno interessato il percorso professionale dello stilista, curata da Michela Taloni, ricercatrice in ambito storico.

Il catalogo della mostra è acquistabile presso il Bookshop del Museo del Tessuto e sullo Shop online del Museo.

In occasione della proroga della mostra fino al 30 novembre 2024, il Museo ha realizzato anche una serie di stampe Digital Fine Art Printing, in tiratura limitata, di illustrazioni di moda di Walter Albini, tratte dalle sue collezioni e acquistabili presso il nuovo Shop online.

Guarda l’omonimo documentario dedicato alla mostra da Sky Arte sui canali ufficiali del Museo: YouTube

La mostra esplora lo scambio creativo e culturale tra Europa e Giappone, attraverso l’esposizione di opere che ne testimoniano i passaggi fondamentali, tra la fine dell’Ottocento e la prima metà del Novecento.

Si illustra il conosciuto fenomeno del Giapponismo: come le espressioni artistiche dell’arte europea di quel periodo hanno attinto e reinterpretato il linguaggio espressivo e decorativo dell’arte giapponese, rappresentato in mostra da opere di Hiroshige, Utamaro e Hokusai.

Ma soprattutto si vuole raccontare il processo opposto, il fenomeno dell’Occidentalismo, un aspetto poco conosciuto ai più: l’influenza della cultura e dell’espressione artistica occidentale nell’arte giapponese attraverso l’oggetto più iconico della cultura del Sol Levante, il kimono.

I kimono in mostra, in seta operata, ricamata o stampata, testimoniano l’attrazione per l’Occidente e le suggestioni provenienti dalle innovazioni formali delle avanguardie europee come Futurismo, Secessione e Cubismo che agli inizi del Novecento modificarono profondamente il linguaggio decorativo tradizionale giapponese.

Il Museo del Tessuto, in collaborazione con la Fondazione Sozzani e l’Archivio Massimo Cantini Parrini, ha dedicato la prima mostra finora mai realizzata in Italia al designer di abiti Ossie Clark e alla sua compagna di vita e di atelier Celia Birtwell, due assoluti protagonisti della scena londinese e della cultura pop degli anni Sessanta e Settanta del Novecento.

Con il patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana, il 15 gennaio la mostra arriva a Milano, presso la Fondazione Sozzani.

“Mr & Mrs Clark” racconta il percorso dei due creativi ed esplora la genialità del disegno di Celia, che sviluppava le stampe ispirate alla natura e alle avanguardie artistiche, e del talento di Ossie che con la sua maestria nei tagli e nella modellistica dava vita ad abiti sensuali e femminili.

La loro unione, anche nella vita privata, è stata immortalata da David Hockney nel celebre dipinto Mr and Mrs Clark and Percy, (1970-71, conservato alla Tate Britain di Londra), che rappresenta non solo un ritratto di due stilisti, ma anche un manifesto di una nuova classe creativa tra arte e moda. Scrive in tal senso Carla Sozzani nella prefazione del libro pubblicato da Silvana Editoriale: “Ossie e Celia sono anche la storia di una speciale alchimia, una dei primi esempi di coppie creative che hanno lavorato insieme per completarsi in totale armonia. Celia Birtwell e Ossie Clark fanno parte delle coppie celebri dove non si potrà mai dire dove finiva la creatività di uno e iniziava quella dell’altro”.

Per la mostra di Milano, sarà disponibile il volume pubblicato e distribuito da Silvana Editoriale: “Mr & Mrs Clark. Ossie Clark and Celia Birtwell. Fashion and Prints” racconta il sodalizio artistico e personale di Ossie Clark e Celia Birtwell attraverso saggi, interviste e una ricca documentazione iconografica. Curato da Federico Poletti, con la direzione artistica di Claudio dell’Olio, il volume ripercorre la storia della coppia inglese che ha dato origine a uno stile inconfondibile, lasciando un segno nella moda del periodo compreso tra la minigonna di Mary Quant e il movimento punk sovversivo di Malcolm McLaren e Vivienne Westwood. Con i contributi di Cristina Giorgetti, Beatrice Manca, Antonio Mancinelli, Suzy Menkes, Renata Molho e Arianna Sarti, il volume non solo rappresenta il naturale completamento della mostra, ma anche uno strumento bibliografico importante per capire l’importanza di questa coppia a volte trascurata dalla critica.

L’illustre giornalista e critica Suzy Menkes, tra le prime ad assistere alle performance di Ossie e Celia, ha visitato la mostra presso il Museo del Tessuto e ha dichiarato: “La giovane coppia ha prodotto immagini per una società in rapida evoluzione, creando un nuovo epicentro del design nella zona ovest di Londra. Proprio la zona di Portobello Road era il luogo dove la generazione giovanile stava iniziando a seminare e a crescere. È stata l’abilità di Ossie a spingere la moda a fare passi avanti “semplicemente guardando un disegno e trasformandolo in un meraviglioso tessuto”, come ha detto Celia, aggiungendo “con i miei bozzetti fantasiosi e le mie abilità di taglio dei modelli, abbiamo creato una squadra brillante che incarnava lo zeitgeist dei giovani che volevano sfuggire dalle restrizioni del dopoguerra”.

La fine del Settecento segna una trasformazione significativa nel settore del tessile e dell’abbigliamento. In Europa, i cambiamenti politici e culturali si ripercuotono nel costume del periodo, portando un generale alleggerimento delle fogge e dei disegni.  Ci si ispira allo stile neoclassico, scaturito da importanti scoperte archeologiche di reperti di epoca greca e romana. La purezza e la perfezione del classicismo si riflettono in repertori ornamentali che recuperano il tema delle ghirlande, dei rosoni impaginati entro righe o in cornici ogivali.

Nella prima metà dell’Ottocento l’automazione del settore tessile subisce un’accelerazione. I processi più lenti della filiera – filatura e tessitura – conoscono applicazioni che permettono di velocizzare i tempi del lavoro e differenziare i formati dei tessuti per abbigliamento da quelli di arredo. I tessuti operati, destinati all’abbigliamento, sono caratterizzati da disegni minuti su fondi rigati o uniti. Allo stesso tempo, le stoffe stampate conoscono una maggiore diffusione. L’abbigliamento femminile si evolve dalle fogge in “stile impero”, caratterizzate da un punto vita rialzato sotto al seno, a quelle in “stile romantico” in cui si asseconda maggiormente il punto vita naturale e si allarga l’ampiezza della gonna.  L’abbigliamento maschile evidenzia la prestanza del torso grazie ai gilet che fasciano il busto e a pantaloni attillati che aderiscono alle gambe. Lo stile austero e semplice riflette le esigenze di praticità, ordine e prudenza del ceto borghese.

In questo secolo così complesso e ricco di cambiamenti dovuti alla meccanizzazione del settore tessile, si accende il dibattito tra artigianato e industria, tra unicità del prodotto artistico e replicabilità del prodotto seriale.  I grandi couturier francesi si ispirano all’arte coeva del Modernismo, interpretandola con tendenze e fogge che ridisegnano la linea del corpo femminile. La nascita in Francia dei Grandi Magazzini e lo sviluppo dell’editoria di moda offrono l’opportunità ad un pubblico sempre più ampio di adottare i modelli dell’alta sartoria contribuendo alla democratizzazione del lusso.

Ai primi del Novecento, dopo l’austero periodo del dopoguerra la vita artistica e culturale europea rifiorisce a Parigi, dove i prestigiosi atelier di alta moda diventano punto di riferimento per le nuove tendenze. L’Italia, invece, conosce diverse esperienze – industriali e artistiche – che accendono l’interesse internazionale nei confronti delle nostre creazioni di moda e tessuto. Dal mondo dell’arte inoltre arrivano significativi impulsi a ristudiare le tradizioni tessili italiane. Nel 1909, nel suo atelier veneziano, Mariano Fortuny progetta e brevetta l’abito più celebre indossato dalla società elegante del tempo, il Delphos ed elabora tecniche di stampa su cotone e velluto con soggetti ispirati al repertorio italiano del medioevo e del rinascimento, caratterizzate dalla decolorazione che simula l’usura. Sulla stessa scia, Maria Monaci Gallenga esordisce alla III Mostra della Secessione di Roma nel 1915, dove presenta le sue creazioni tessili per arredamento e abbigliamento. I disegni, ripresi fedelmente da modelli della tradizione antica, sono stampati a matrice di legno con pigmento in oro e in argento. 

Alla fine degli anni Venti l’architetto Giò Ponti fonda la rivista di interior design “Domus” (1928) che celebra il suo impegno nell’adeguare e orientare il design tessile alle esigenze estetiche e funzionali della modernità. 

I venti di guerra degli anni Quaranta portano un clima di austerità che privilegia il riuso del tessuto e il risparmio della stoffa destinata alle confezioni, mentre gli anni Cinquanta aprono la strada ad un rinnovamento produttivo e estetico: grazie ad eventi come la Triennale di Milano il design tessile si sposa con i nomi più autorevoli dell’arte contemporanea come Lucio Fontana e altri autori della corrente astrattista.

Il percorso espositivo rispetta lo spirito con cui la raccolta è stata generata e, quindi, procede per filoni tematici e cronologici: abbigliamento infantile e giocattoli, abbigliamento maschile e femminile da giorno e da sera accompagnati da accessori di lusso, attività creative femminili e interessi culturali dei componenti della famiglia.

Curiosa e inedita è la presentazione di alcuni completi da bambini degli anni Venti e Trenta del Novecento che testimonia lo sviluppo di una moda dedicata all’infanzia ed è accompagnata da una serie di giochi da tavolo e giocattoli che contestualizzano il periodo storico e l’esposizione.

A questo contenuto si affianca un affascinate esposizione di vesti da notte riccamente ricamate e di raffinati négligé decorati dalle donne della famiglia. Nella collezione sono presenti, infatti, numerosi lavori a ricamo che attestano la passione delle donne della famiglia per questa attività: colletti e trine a punto Rinascimento, centrini e bordure a Chiaccherino, disegni per trine a fuselli databili al primo ventennio del XX secolo. Di particolare pregio sono alcuni modelli femminili della metà degli anni Venti che riflettono l’attenzione per la moda francese di quel periodo nota attraverso le riviste di moda che presentano le creazioni dei più celebri couturier parigini.

Per la moda maschile sono presenti completi da giorno e da sera del primo Trentennio del Novecento di sartoria pratese e fiorentina: frac, smoking e soprabito accompagnati da adeguati complementi come cappelli, bastoni e raffinati set da fumo in sepiolite. 

Per il periodo del dopoguerra, la raccolta testimonia lo sviluppo della filiera della moda attraverso capi di alta sartoria degli anni Sessanta indossati per gli esclusivi appuntamenti ricreativi e culturali della storica Società dei Misoduli di Prato fino ad arrivare agli outfit dei primi grandi brand italiani degli anni Ottanta come Gianfranco Ferré e Rocco Barocco. Oggetti come bottoni, fibbie, bijou , borsette impreziosiscono il percorso espositivo connotando la qualità raffinata dei completi conservati e di quelli non più presenti nella raccolta.

La qualità dei tessuti e la manifattura degli abiti seguono in modo puntuale i riferimenti alle tendenze della moda del periodo, come testimoniano le riviste, le planche, i figurini, i libri tendenze e campionario – appartenenti ad altre collezioni del Museo – che arricchiscono l’esposizione creando un suggestivo dialogo tra questa eterogena varietà di materiali.

Il percorso espositivo della mostra – che occupa circa 1.000 metri quadri complessivi – si apre nella Sala dei Tessuti Antichi con una selezione di circa 120 oggetti della collezione Chini, proveniente dal Museo di Antropologia e Etnologia di Firenze. Il visitatore potrà ammirare tessuti, costumi e maschere teatrali, porcellane, strumenti musicali, sculture, armi e manufatti d’uso di produzione thailandese e cinese – suddivisi per ambiti tipologici all’interno di grandi teche espositive – che sono stati continua fonte di ispirazione per l’Artista e sono diventati soggetti di suoi numerosi dipinti.

L’esposizione prosegue al piano superiore con una sezione dedicata alle scenografie per la Turandot e al forte influsso che l’esperienza in Siam ebbe nell’evoluzione del percorso creativo e stilistico di Chini. La terza e ultima sala riunisce finalmente, dopo decenni di oblio, gli straordinari costumi della prima dell’opera. Infatti, accanto a quelli della protagonista di proprietà del Museo – su una grande pedana rialzata che la prima volta nella storia riunisce la straordinaria parata realizzata da Caramba nel 1926 – sono esposti anche 30 costumi straordinari provenienti dall’archivio della Sartoria Devalle di Torino, comprendenti i ruoli primari e comprimari – l’Imperatore, Calaf, Ping, Pong e Pang, il Mandarino – e i secondari – i Sacerdoti, le Ancelle, le Guardie, i personaggi del Popolo. Si tratta dei costumi originali realizzati per la stessa edizione dell’opera, anch’essi inizialmente scomparsi, ma poi rocambolescamente ricomparsi a metà degli anni Settanta ed entrati a far parte definitivamente di questo meraviglioso archivio storico privato.