Il Museo del Tessuto, in collaborazione con la Fondazione Sozzani e l’Archivio Massimo Cantini Parrini, ha dedicato la prima mostra finora mai realizzata in Italia al designer di abiti Ossie Clark e alla sua compagna di vita e di atelier Celia Birtwell, due assoluti protagonisti della scena londinese e della cultura pop degli anni Sessanta e Settanta del Novecento.

Con il patrocinio della Camera Nazionale della Moda Italiana, il 15 gennaio la mostra arriva a Milano, presso la Fondazione Sozzani.

“Mr & Mrs Clark” racconta il percorso dei due creativi ed esplora la genialità del disegno di Celia, che sviluppava le stampe ispirate alla natura e alle avanguardie artistiche, e del talento di Ossie che con la sua maestria nei tagli e nella modellistica dava vita ad abiti sensuali e femminili.

La loro unione, anche nella vita privata, è stata immortalata da David Hockney nel celebre dipinto Mr and Mrs Clark and Percy, (1970-71, conservato alla Tate Britain di Londra), che rappresenta non solo un ritratto di due stilisti, ma anche un manifesto di una nuova classe creativa tra arte e moda. Scrive in tal senso Carla Sozzani nella prefazione del libro pubblicato da Silvana Editoriale: “Ossie e Celia sono anche la storia di una speciale alchimia, una dei primi esempi di coppie creative che hanno lavorato insieme per completarsi in totale armonia. Celia Birtwell e Ossie Clark fanno parte delle coppie celebri dove non si potrà mai dire dove finiva la creatività di uno e iniziava quella dell’altro”.

Per la mostra di Milano, sarà disponibile il volume pubblicato e distribuito da Silvana Editoriale: “Mr & Mrs Clark. Ossie Clark and Celia Birtwell. Fashion and Prints” racconta il sodalizio artistico e personale di Ossie Clark e Celia Birtwell attraverso saggi, interviste e una ricca documentazione iconografica. Curato da Federico Poletti, con la direzione artistica di Claudio dell’Olio, il volume ripercorre la storia della coppia inglese che ha dato origine a uno stile inconfondibile, lasciando un segno nella moda del periodo compreso tra la minigonna di Mary Quant e il movimento punk sovversivo di Malcolm McLaren e Vivienne Westwood. Con i contributi di Cristina Giorgetti, Beatrice Manca, Antonio Mancinelli, Suzy Menkes, Renata Molho e Arianna Sarti, il volume non solo rappresenta il naturale completamento della mostra, ma anche uno strumento bibliografico importante per capire l’importanza di questa coppia a volte trascurata dalla critica.

L’illustre giornalista e critica Suzy Menkes, tra le prime ad assistere alle performance di Ossie e Celia, ha visitato la mostra presso il Museo del Tessuto e ha dichiarato: “La giovane coppia ha prodotto immagini per una società in rapida evoluzione, creando un nuovo epicentro del design nella zona ovest di Londra. Proprio la zona di Portobello Road era il luogo dove la generazione giovanile stava iniziando a seminare e a crescere. È stata l’abilità di Ossie a spingere la moda a fare passi avanti “semplicemente guardando un disegno e trasformandolo in un meraviglioso tessuto”, come ha detto Celia, aggiungendo “con i miei bozzetti fantasiosi e le mie abilità di taglio dei modelli, abbiamo creato una squadra brillante che incarnava lo zeitgeist dei giovani che volevano sfuggire dalle restrizioni del dopoguerra”.

Il percorso espositivo rispetta lo spirito con cui la raccolta è stata generata e, quindi, procede per filoni tematici e cronologici: abbigliamento infantile e giocattoli, abbigliamento maschile e femminile da giorno e da sera accompagnati da accessori di lusso, attività creative femminili e interessi culturali dei componenti della famiglia.

Curiosa e inedita è la presentazione di alcuni completi da bambini degli anni Venti e Trenta del Novecento che testimonia lo sviluppo di una moda dedicata all’infanzia ed è accompagnata da una serie di giochi da tavolo e giocattoli che contestualizzano il periodo storico e l’esposizione.

A questo contenuto si affianca un affascinate esposizione di vesti da notte riccamente ricamate e di raffinati négligé decorati dalle donne della famiglia. Nella collezione sono presenti, infatti, numerosi lavori a ricamo che attestano la passione delle donne della famiglia per questa attività: colletti e trine a punto Rinascimento, centrini e bordure a Chiaccherino, disegni per trine a fuselli databili al primo ventennio del XX secolo. Di particolare pregio sono alcuni modelli femminili della metà degli anni Venti che riflettono l’attenzione per la moda francese di quel periodo nota attraverso le riviste di moda che presentano le creazioni dei più celebri couturier parigini.

Per la moda maschile sono presenti completi da giorno e da sera del primo Trentennio del Novecento di sartoria pratese e fiorentina: frac, smoking e soprabito accompagnati da adeguati complementi come cappelli, bastoni e raffinati set da fumo in sepiolite. 

Per il periodo del dopoguerra, la raccolta testimonia lo sviluppo della filiera della moda attraverso capi di alta sartoria degli anni Sessanta indossati per gli esclusivi appuntamenti ricreativi e culturali della storica Società dei Misoduli di Prato fino ad arrivare agli outfit dei primi grandi brand italiani degli anni Ottanta come Gianfranco Ferré e Rocco Barocco. Oggetti come bottoni, fibbie, bijou , borsette impreziosiscono il percorso espositivo connotando la qualità raffinata dei completi conservati e di quelli non più presenti nella raccolta.

La qualità dei tessuti e la manifattura degli abiti seguono in modo puntuale i riferimenti alle tendenze della moda del periodo, come testimoniano le riviste, le planche, i figurini, i libri tendenze e campionario – appartenenti ad altre collezioni del Museo – che arricchiscono l’esposizione creando un suggestivo dialogo tra questa eterogena varietà di materiali.

Il percorso espositivo della mostra – che occupa circa 1.000 metri quadri complessivi – si apre nella Sala dei Tessuti Antichi con una selezione di circa 120 oggetti della collezione Chini, proveniente dal Museo di Antropologia e Etnologia di Firenze. Il visitatore potrà ammirare tessuti, costumi e maschere teatrali, porcellane, strumenti musicali, sculture, armi e manufatti d’uso di produzione thailandese e cinese – suddivisi per ambiti tipologici all’interno di grandi teche espositive – che sono stati continua fonte di ispirazione per l’Artista e sono diventati soggetti di suoi numerosi dipinti.

L’esposizione prosegue al piano superiore con una sezione dedicata alle scenografie per la Turandot e al forte influsso che l’esperienza in Siam ebbe nell’evoluzione del percorso creativo e stilistico di Chini. La terza e ultima sala riunisce finalmente, dopo decenni di oblio, gli straordinari costumi della prima dell’opera. Infatti, accanto a quelli della protagonista di proprietà del Museo – su una grande pedana rialzata che la prima volta nella storia riunisce la straordinaria parata realizzata da Caramba nel 1926 – sono esposti anche 30 costumi straordinari provenienti dall’archivio della Sartoria Devalle di Torino, comprendenti i ruoli primari e comprimari – l’Imperatore, Calaf, Ping, Pong e Pang, il Mandarino – e i secondari – i Sacerdoti, le Ancelle, le Guardie, i personaggi del Popolo. Si tratta dei costumi originali realizzati per la stessa edizione dell’opera, anch’essi inizialmente scomparsi, ma poi rocambolescamente ricomparsi a metà degli anni Settanta ed entrati a far parte definitivamente di questo meraviglioso archivio storico privato.

La mostra, allestita all’interno delle due grandi sale espositive del primo piano, presenta per la prima volta al pubblico italiano un’accurata selezione di opere di fiber art, espressione dei venti migliori istituti e scuole d’arte cinesi tra cui l’Istituto di Ricerca dell’Arte del tessuto dell’Accademia Nazionale Cinese di Pittura, l’Accademia di Arte e Design della Tsinghua University, l’Accademia di Belle arti Cinese e l’Accademia di Belle Arti di Tianjin.

Le trenta opere esposte esprimono da diverse prospettive la visione che questi artisti – alcuni già affermati in patria altri giovani promettenti studenti accademici – hanno della storia e della cultura cinese, testimoniando gli straordinari progressi che l’arte tessile ha avuto negli ultimi anni in questo paese.

Gli artisti presenti in mostra hanno partecipato con le loro opere alle varie edizioni della “Biennale Internazionale di arte tessile da Losanna a Pechino” che dal 2000 è l’appuntamento più importante e influente a livello mondiale per tutti gli artisti che lavorano con la materia tessile.

Lana, seta, cotone diversamente manipolati secondo la sensibilità dei vari artisti, si uniscono a materiali di diversa composizione – carta, cera, metallo, bambù – per dare luogo ad oggetti tridimensionali che come delle vere e proprie sculture si ergono negli spazi del Museo oppure calano dall’alto come veli leggeri che fluttuano nello spazio, accanto ad arazzi che sembrano delle vere e proprie opere su tela.

L’arte della seta, nel Quattrocento e nel Cinquecento, raggiunge in Italia vertici altissimi di qualità tecnica e d’invenzione. Città mercantili, con attività commerciali internazionali rodate già dal periodo medievale, quali Venezia, Milano, Firenze, Lucca, Genova, concentrano la loro economia intorno alla produzione di stoffe di seta come velluti, lampassi, damaschi arricchiti da effetti preziosi in filato metallico d’oro e d’argento. La lavorazione di tessuti operati di pregio richiedeva, oltre alla specializzazione in ogni parte del processo, la disponibilità di capitali da investire nelle materie prime – seta, metalli preziosi, sostanze tintorie – e la capacità di commercializzare il prodotto nei mercati del lusso di tutta Europa.

Tra i tessili di maggiore eccellenza si distingue il velluto, per la cui realizzazione occorreva un ingente quantitativo di seta (cinque volte di più di un tessuto semplice) oltre all’impiego di filati metallici preziosi. Tra i velluti più costosi sicuramente spiccano quelli con due o tre altezze di pelo, quelli con tintura in kermes e grana, quelli con trame lanciate e broccate in oro, tutti prodotti normati da una severa legislazione che ne stabiliva la densità dei fili, l’altezza della pezza e l’impiego di determinate sostanze tintorie. Una vera preziosità è rappresentata dal velluto Medici, un particolare tessuto araldico realizzato appositamente a Firenze per la nobile famiglia, che presenta un motivo a rosetta con al centro le celebri sette (ante XVI sec.) “palle” medicee rosse su fondo oro.

Un altro “cammeo” delle collezioni del Museo è inoltre rappresentato dalla “scarsella”, raro esemplare di borsa indossata dagli uomini del tempo attraverso una cintura in vita. Quella del Museo apparteneva probabilmente all’Arte del Cambio di Firenze, la corporazione che soprintendeva al cambio delle valute. Molto particolari i tessuti “a maglia moresca”, che trovano corrispondenza nello stile dell’arte islamica espresso negli stucchi delle architetture e nell’ornato dei metalli. Il caso più conosciuto e prezioso dell’arte tessile è lo splendido velluto dell’abito di Eleonora di Toledo dipinto dal Bronzino (1545).

Un aspetto interessante che illustra la mostra è la contaminazione dei disegni tra le diverse manifatture, anche con quelle straniere. Tra le principali è rappresentata quella di Bursa, in Turchia, che dai primi del Quattrocento inizia ad essere conosciuta e apprezzata anche in Europa attraverso la produzione di ricchi velluti.

Numerose e curiose anche le testimonianze dei “tessuti per la casa” del periodo: tovaglie, copricuscini – tra i quali uno di manifattura del Marocco -, manufatti a fibra mista in lino, cotone e lana, tipologia probabilmente impiegati nella funzione di coperte di rivestimento, biancherie di pregio in lino ricamato in seta, tra i quali i “fazzoletti da mano”, accessorio indispensabile nella moda del XVI secolo.

Gli oltre venti splendidi abiti maschili e femminili indossati dai principali personaggi del film sono esposti su una grande pedana di forte impatto scenografico, metafora visiva delle tappe della vita di questa Regina – dal suo arrivo alla corte di Francia fino alla sua tragica discesa – che ha fatto dell’abbigliamento il suo biglietto da visita presso le corti europee.

Il percorso espositivo si integra con l’esposizione: “Il Capriccio e la Ragione. Eleganze del Settecento europeo” organizzata in collaborazione con le Gallerie degli Uffizi e Museo Stibbert di Firenze e dedicata all’evoluzione dello stile e della moda nel Settecento. La compresenza nelle sale del Museo di abiti e tessuti originali del XVIII secolo accanto alle reinterpretazioni per il cinema offre ai visitatori un percorso unico alla scoperta della moda di un secolo straordinario, ricchissimo di innovazioni.

Allestita nella Sala dei Tessuti Antichi, la mostra si avvale di oltre 100 reperti tra tessuti, capi d’abbigliamento femminili e maschili, porcellane, accessori moda, dipinti e incisioni, raccontano i cambiamenti di stile che si susseguono in questo periodo storico, dall’esotismo ai “capricci” compositivi della prima metà del secolo fino alle forme classiche austere dell’ornato neoclassico. L’accostamento dei tessuti alle più diverse tipologie di manufatti e tecniche artistiche permette ai visitatori di avere una visione completa di tutti gli stili che attraversano il secolo – bizarre, chinoiserie, dentelles, revel solo per citare alcuni esempi della produzione tessile settecentesca – venendo così a creare un costante dialogo sia con i capi d’abbigliamento e gli accessori moda, sia con gli altri elementi d’arredo

La mostra si avvale della determinante e prestigiosa collaborazione del Museo della moda e del costume delle Gallerie degli Uffizi, del Museo Stibbert di Firenze e del Museo Studio del Tessuto della Fondazione Antonio Ratti di Como, nonché di altre prestigiose istituzioni sia pubbliche che private, che hanno permesso la costruzione di un percorso espositivo unico ed inedito su un secolo così ricco e complesso come il Settecento.

Oltre a tessuti delle nostre collezioni, gli straordinari capi d’abbigliamento provenienti dal Museo della moda e del costume delle Gallerie degli Uffizi, i rari esemplari in seta del Museo Studio del Tessuto della Fondazione Antonio Ratti di Como, dialogano con  i preziosi gilet e le pregiate porcellane  di quello scrigno di tesori che è il Museo Stibbert di Firenze. Arricchiscono il percorso i volumi della Biblioteca Nazionale Centrale di Firenze, le calzature dell’epoca dal Museo Salvatore Ferragamo, i dipinti provenienti dal Museo di Palazzo Pretorio di Prato e dalle gallerie antiquarie fiorentine Galleria Antiquaria Antonio Esposito, Collezione Giovanni Pratesi, Tornabuoni Arte.